Na conferência de imprensa do filme em Cannes, Eden falou sobre como ele e Gustav foram encorajados a não memorizar suas falas, o que parecia se conectar com seu desejo declarado de conceder a seus atores uma “liberdade de existir”.
Frequentei uma escola de cinema que mistura documentário e ficção. Enquanto estava lá, fiz pequenos documentários e pequenas obras de ficção, e nunca escolhi nenhum dos dois. Isso provou ser uma chave para como eu às vezes trabalho. Sinto que nos filmes que faço agora, tenho uma abordagem documental muito naturalista com os atores, e tenho um estilo muito impressionista no que diz respeito ao uso da cor e da luz, o que transmite que o que se está a ver é ficção. Com todos os meus atores – incluindo os adultos, mas especialmente com as crianças – depois de lerem o roteiro uma vez, digo a eles: “Não vamos lê-lo novamente”. Eles adoram isso porque a coisa com a qual mais se preocupam é aprender o texto. Eu digo a eles: “Não precisamos aprender nenhum texto”, e é claro que eles não imaginavam que seria assim. O que explico a eles é que vamos trabalhar por seis meses e, ao longo desse tempo, vou orientá-los para que saibam exatamente o que precisam fazer durante a filmagem. Claro, eles ainda leram tudo e o capturaram.
Durante esses seis meses, passamos tempo juntos e assistimos aos filmes favoritos um do outro. O filme favorito de Gustav é “Cantando na Chuva”, então, graças a Deus, essas crianças também têm bom gosto. [laughs] Vamos passear à beira-mar e fazer panquecas juntos. De vez em quando, faço a eles, de maneira bastante informal, perguntas como: “Por que você acha que o Léo não espera o Rémi naquele momento?” Eden será como, “Huh,” e o que acontece é que ele se torna ativo. Não digo a ele qual é o motivo, ele inventa o seu. Ele se torna uma espécie de detetive de sua própria parte, o que o excita porque ele sente que está criando, e eu preciso ter essa emoção. Essa é uma das primeiras coisas que procuro. Após o primeiro mês, trago uma câmera. Quando vamos à beira-mar e caminhamos pela orla, convido a câmera a fazer parte da nossa união. A câmera está rodando sem que eu diga “ação” ou “corta”. Então, eles se acostumam com essa sensação de me convidar para uma câmera sem pedir que eles façam algo diferente do que já estavam fazendo. Eles começam a sentir que existe uma espécie de fluidez entre o documento e a documentação do que estamos fazendo e criando.
Eu estabeleço uma linha tênue entre documentário e ficção durante aquele ensaio inicial porque o que eu realmente quero chegar é essa transparência completa entre eles e a câmera – eles e o público, na verdade. Eu quero que eles sintam que não há câmera, já que a câmera vai subir muito perto de seus rostos. Eu só posso conseguir isso se eles se acostumarem com isso, e esse objeto se tornar algo com o qual eles não se importam mais. Também criarei laços semelhantes com os atores adultos. Um dos meus requisitos para os adultos do elenco é que eles estejam presentes para criar um sentimento de família e intimidade conosco. Léa Drucker me lembrou de algo que eu disse a ela em uma conversa inicial porque ela achou marcante e ao mesmo tempo muito simples. Quando ela me perguntou durante o primeiro ano: “Como você imagina essa colaboração? O que é importante da minha parte?”, Eu apenas disse: “O mais importante para mim é que você ame o Éden”. É básico, mas também acho que foi o pilar do qual sua atuação obteve esse tipo de autenticidade crua. Ela não poderia ter representado a cena no ônibus dessa forma se não houvesse essa conexão entre eles. Então acho que a forma como trabalho com atores vem um pouco dessa abordagem documental. Eu procuro uma maneira pela qual você sinta que eles existem, e não que estão atuando.
“Close” está agora em exibição nos cinemas.